Le goût du bronze

Le sculpteur Alessandro Vittoria a animé le plus important et le plus prolifique atelier de sculpture de Venise à la fin du xvie siècle, produisant aussi bien de grandes statues en marbre ou en bronze que des exemplaires plus petits. Il a signé son œuvre sur la base de la sculpture avec les initiales A.V.F. (pour Alessandro Vittoria fecit). Jupiter, le roi des Dieux, est représenté nu, tenant dans sa main gauche un faisceau de flammes qui représente la foudre.  L’œuvre est caractéristique du maniérisme qui altère la réalité des corps pour en tirer des effets expressifs et esthétiques. La musculature est très puissante et exagérée, en particulier au niveau du dos, dans la suite des recherches de Michel Ange à qui ses détracteurs reprochaient ses anatomies noueuses « en sac de noix ». Le sculpteur a travaillé son œuvre selon le principe des huit points de vue principaux (vues de face, de dos et sur les deux profils auxquels s’ajoutent les quatre vues diagonales). La torsion du corps s’explique en partie par ce principe qui cherche à présenter un centre d’intérêt sur chacun de ces huit points de vue. L’œuvre présente aussi un important contrapposto, ou hanchement qui reprend un grand principe de la sculpture antique : le corps immobile au repos est en appui instable sur un seul pied qui appelle un mouvement à venir.  La fonction de l’œuvre est mystérieuse : la petite base de la statue est instable et elle d’ailleurs percée pour être fixée sur un socle plus important. S’agissait-il d’une œuvre autonome pour un cabinet d’amateur ou bien d’un élément d’un ensemble décoratif plus vaste ?  

La médaille connaît un grand succès à la Renaissance : elle reprend la forme des monnaies antiques, mais à une plus grande taille et sans avoir de valeur d’échange. Elle sert à commémorer de grands événements et de grands personnages.  Sur la face, le portrait d’Henri II est certes dans une armure moderne, mais de profil strict, avec un manteau tenu par une broche sur l’épaule et la tête couronnée des lauriers de la victoire, comme un général romain victorieux. L’inscription renvoie aussi à l’Antiquité avec la formule « Père de la Patrie », titre qui fut donné à tous les empereurs. La mention de « Rois des Gaules » (au lieu de « Roi des Francs ») suit la terminologie géographique du temps de Jules César. Le revers de la médaille montre une allégorie ailée de la paix dominant deux armées et deux généraux à cheval qui se serrent la main. En bas, un espace vide devait accueillir une inscription précisant l’événement représenté qui reste donc énigmatique. Il est cependant très probable que cette médaille ait été élaborée à l’occasion de la trêve de Vaucelles, signée en février 1556 entre le roi Henri II et la famille de Habsbourg. Comme cette trêve fut rompue dès le mois d’octobre suivant, les nombreux projets de médailles conçus pour la commémorer devinrent inutiles et restèrent à l’état de papier ou de prototype inachevés.   Don de la Société des Amis du musée national de la Renaissance.

Cette plaquette, dont on connaît plus d’une cinquantaine d’exemplaires repérés dans les seules collections publiques, est l’une des œuvres les plus importantes attribuées à l’artiste italien connu sous le surnom de « Moderno ». Les plaquettes étaient faciles à mouler et à transporter et elles ont joué un rôle très important dans la diffusion des inventions et des compositions de la Renaissance. Elles pouvaient aussi servir comme élément décoratif ou comme objet autonome de dévotion.  La composition de cette plaquette est très ambitieuse et oppose la partie basse, envahie par une foule compacte de personnages, avec la partie haute où se détachent le Christ entouré du bon larron (la tête vers le haut, à la droite du Seigneur) et le mauvais larron de l’autre côté (la tête baissée). Des soldats à pied et à cheval, avec des boucliers à l’antique, dont une surprenante figure nue de dos en bas à droite, observent la scène. L’angle inférieur gauche est réservé à Marie Madeleine, qui embrasse la croix, à la Vierge évanouie soutenue par deux saintes femmes et à saint Jean en prière, debout sur la gauche.

Cette plaque illustre les recherches menées par les orfèvres d’Augsbourg autour du thème de la Passion du Christ. La composition s’inspire d’un dessin de Jan Van Der Straet, gravé par Raphaël Sadeler, qui fournit le principe du Christ mort vue de dessus en oblique, entouré par plusieurs anges pleurants, supports d’expression variées. Le goût des accessoires (panier avec les instruments de la Passion, vêtements et tissus) semble en revanche relever de l’invention de Lencker, de même que les personnages masculins en costume oriental à l’arrière-plan à gauche. Cette Lamentation est connue par plusieurs exemplaires (Londres, Victoria and Albert museum ; commerce d’art), mais chacun est rendu unique par le travail de ciselure à froid qui permet des variations dans le traitement des tissus ou l’expression des visages. Cette production témoigne de l’importance de l’atelier des Lencker, fondé par Christoph (vers 1556-1613), le père de Zacharias. La technique est originale car l’artiste, orfèvre de formation, n’a pas travaillé au repoussé, comme c’est généralement le cas pour des œuvres analogues, mais a préféré une fonte.